Musical-film

1930-1950: Die erste klassische Klangzeit oder erste musikalische Epocheedit

Die 1930er bis Anfang der 1950er Jahre gelten als das goldene Zeitalter des Musikfilms, als die Popularität des Genres in der westlichen Welt am höchsten war. Disneys Schneewittchen und die sieben Zwerge, der früheste Disney-Animationsfilm, war ein Musical, das bei den 11th Academy Awards einen Ehren-Oscar für Walt Disney gewann.,

Die ersten musicalsEdit

Musikalische Kurzfilme wurden 1923-24 von Lee de Forest gedreht. Ab 1926 wurden Tausende von Vitaphone-Shorts hergestellt, viele mit Bands, Sängern und Tänzern. Die frühesten Spielfilme mit synchronisiertem Sound hatten nur einen Soundtrack aus Musik und gelegentlichen Soundeffekten, die spielten, während die Schauspieler ihre Charaktere genauso darstellten wie in Stummfilmen: ohne hörbaren Dialog., Der 1927 von Warner Brothers veröffentlichte Jazzsänger war der erste, der eine Audiospur enthielt, die nicht-diegetische Musik und diegetische Musik enthielt, aber nur eine kurze Sequenz gesprochener Dialoge enthielt. Dieser abendfüllende Film war auch ein Musical mit Al Jolson, der „Dirty Hands, Dirty Face“, „Toot, Toot, Tootsie“, „Blue Skies“ und „My Mammy“sang. Der Historiker Scott Eyman schrieb: „Als der Film endete und der Applaus mit den Houselights wuchs, sah sich Sam Goldwyns Frau Frances bei den Prominenten in der Menge um., Sie sah „Terror in all ihren Gesichtern“, sagte sie, als ob sie wüssten, dass „das Spiel, das sie seit Jahren gespielt hatten, endlich vorbei war“.“Still, nur vereinzelte Sequenzen vorgestellten „live“ – sound; die meisten hatte der film nur eine synchrone musikalische Partitur. 1928 folgte Warner Brothers mit einem weiteren Jolson-Part-Talkie, The Singing Fool, der ein Blockbuster-Hit war. Die Theater bemühten sich, die neue Tontechnik zu installieren und Broadway-Komponisten einzustellen, um Musicals für die Leinwand zu schreiben. Das erste All-Talking-Feature, Lights of New York, enthielt eine musikalische Sequenz in einem Nachtclub., Die Begeisterung des Publikums war so groß, dass in weniger als einem Jahr alle großen Studios ausschließlich Tonaufnahmen machten. Die Broadway Melody (1929) hatte eine Show-Biz-Handlung über zwei Schwestern, die um einen charmanten Song-and-Dance-Mann konkurrierten. Von MGM als erster „All-Talking, All-Singing, All-Dancing“ – Spielfilm beworben, war es ein Hit und gewann den Oscar für das beste Bild für 1929. Es gab einen Ansturm von den Studios, Talente von der Bühne einzustellen, um in verschwenderisch gefilmten Versionen von Broadway-Hits mitzuspielen., Die Love Parade (Paramount 1929) spielte Maurice Chevalier und newcomer Jeanette MacDonald, geschrieben von Broadway-veteran Guy Bolton.

Warner Brothers produzierte 1929 die erste Leinwandoperette The Desert Song. Sie haben keine Kosten gescheut und einen großen Teil des Films in Technicolor fotografiert. Es folgte das erste All-color, All-Talking Musical, das mit der Show (1929) fortgesetzt wurde. Der beliebteste Film von 1929 war der zweite All-color, All-Talking-Feature, das Gold Diggers of Broadway (1929) berechtigt war., Dieser Film brach alle Kassenrekorde und blieb bis 1939 der umsatzstärkste Film, der jemals produziert wurde. Plötzlich wurde der Markt mit Musicals, Revuen und Operetten überflutet. Die folgenden all-color musicals produziert wurden 1929 und 1930 allein: Die Show der Shows (1929), Sally (1929), The Vagabond King (1930), Follow Thru (1930), Bright Lights (1930), Golden Dawn (1930), Halten Sie Alles (1930), The Rogue Song (1930), Song of the Flame (1930), Song of the West (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Under a Texas Moon (1930), Bride of the Regiment (1930), Whoopee!, (1930), King of Jazz (1930), Wiener Nächte (1930) und Kiss Me Again (1930). Darüber hinaus gab es Partituren von musikalischen Features mit Farbsequenzen veröffentlicht.

Hollywood veröffentlichte 1930 mehr als 100 Musikfilme, 1931 jedoch nur 14. Bis Ende 1930 war das Publikum mit Musicals übersättigt und Studios waren gezwungen, die Musik aus Filmen zu schneiden, die dann veröffentlicht wurden. Zum Beispiel wurde Life of the Party (1930) ursprünglich als All-Color, All-Talking Musical Comedy produziert. Bevor es veröffentlicht wurde, wurden die Songs jedoch ausgeschnitten., Das Gleiche geschah mit Fifty Million Frenchmen (1931) und Manhattan Parade (1932), die beide vollständig in Technicolor gedreht worden waren. Marlene Dietrich sang erfolgreich Lieder in ihren Filmen, und Rodgers und Hart schrieben einige gut erhaltene Filme, aber selbst ihre Popularität nahm 1932 ab. Die Öffentlichkeit war schnell gekommen, um Farbe mit Musicals zu verbinden, und so führte der Rückgang ihrer Popularität auch zu einem Rückgang der Farbproduktionen.,

Busby BerkeleyEdit

Der Geschmack in Musicals wurde 1933 wiederbelebt, als Regisseur Busby Berkeley begann, die traditionelle Tanznummer mit Ideen zu verbessern, die aus der Bohrpräzision stammten, die er während des Ersten Weltkriegs als Soldat erlebt hatte.In Filmen wie 42nd Street und Goldgräber von 1933 (1933) choreografierte Berkeley eine Reihe von Filmen in seinem einzigartigen Stil., Berkeleys Zahlen beginnen normalerweise auf einer Bühne, überschreiten jedoch allmählich die Grenzen des Theaterraums: Seine genialen Routinen, bei denen menschliche Körper Muster wie ein Kaleidoskop bilden, könnte niemals auf eine echte Bühne passen und die beabsichtigte Perspektive wird von direkt oben betrachtet.,

Musical starsEdit

Musical Stars wie Fred Astaire und Ginger Rogers gehörten zu den beliebtesten und angesehensten Persönlichkeiten in Hollywood während der klassischen Ära; die Fred und Ginger Paarung war besonders erfolgreich, was zu einer Reihe von klassischen Filmen, wie Top Hat (1935), Swing Time (1936) und Shall We Dance (1937). Viele dramatische Schauspieler nahmen gerne an Musicals teil, um sich von ihrer Typografie zu lösen., Zum Beispiel war das Multitalent James Cagney ursprünglich als Bühnensänger und Tänzer berühmt geworden, aber sein wiederholtes Casting in „Tough Guy“ – Rollen und Mob-Filmen gab ihm nur wenige Chancen, diese Talente zu zeigen. Cagneys Oscar-prämierte Rolle in Yankee Doodle Dandy (1942) erlaubte ihm zu singen und zu tanzen, und er betrachtete es als einen seiner schönsten Momente.

Viele Komödien (und einige Dramen) enthielten ihre eigenen musikalischen Nummern. Die Filme der Brüder Marx enthielten in fast jedem Film eine musikalische Nummer, So dass die Brüder ihre musikalischen Talente hervorheben konnten., Ihr letzter Film mit dem Titel Love Happy (1949) enthielt Vera-Ellen, die als beste Tänzerin unter ihren Kollegen und Fachleuten des halben Jahrhunderts galt.

Ebenso hat sich der waadtländer Komiker W. C. Fields mit der Komikerin Martha Raye und dem jungen Komiker Bob Hope in Paramount Pictures musical anthology The Big Broadcast of 1938 zusammengetan., Der Film zeigte auch die Talente mehrerer international anerkannter Musikkünstler, darunter Kirsten Flagstad (norwegische Opernsopranistin), Wilfred Pelletier (kanadischer Dirigent des Metropolitan Opera Orchestra), Tito Guizar (mexikanischer Tenor), Shep Fields, der sein plätscherndes Rhythm Jazz Orchestra dirigierte, und John Serry Sr. (italienisch-amerikanischer Konzertakkordeonist). Neben dem Oscar für den besten Originalsong (1938) erhielt der Film einen ASCAP Film and Television Award (1989) für Bob Hopes Signature Song „Thanks for the Memory“.,

The Freed UnitEdit

In den späten 1940er und frühen 1950er Jahren eine Produktionseinheit bei Metro-Goldwyn-Mayer unter der Leitung von Arthur Freed machte den Übergang von altmodischen Musikfilmen, deren Formel sich wiederholte, zu etwas Neuem. (Sie produzierten jedoch auch Technicolor-Remakes von Musicals wie Show Boat, die zuvor in den 1930er Jahren gedreht worden waren.,) 1939 wurde Freed als Associate Producer für den Film Babes in Arms eingestellt. Beginnend im Jahr 1944 mit Meet Me in St. Louis arbeitete die Freed Unit etwas unabhängig von ihrem eigenen Studio, um einige der beliebtesten und bekanntesten Beispiele des Genres zu produzieren. Zu den Produkten dieser Einheit gehören Osterparade (1948), On the Town (1949), Ein Amerikaner in Paris (1951), Singin‘ in the Rain (1952), Der Band Wagon (1953) und Gigi (1958)., Zu den nicht befreiten Musicals aus dem Studio gehörten Seven Brides for Seven Brothers im Jahr 1954 und High Society im Jahr 1956, und das Studio verteilte Samuel Goldwyns Guys and Dolls im Jahr 1955.

Diese ära sah musical-stars, die sich bekannte Namen, darunter Judy Garland, Gene Kelly, Ann Miller, Donald O ‚ Connor, Cyd Charisse, Mickey Rooney, Vera-Ellen, Jane Powell, Howard Keel und Kathryn Grayson. Fred Astaire wurde auch für die Osterparade aus dem Ruhestand entlassen und feierte ein ständiges Comeback.,

Outside MGMEdit

Die anderen Hollywood-Studios erwiesen sich zu dieser Zeit, besonders in den 1950er Jahren, als gleichermaßen geschickt im Umgang mit dem Genre. Vier Adaptionen von Rodgers und Hammerstein Shows – Oklahoma! Der König und ich, Karussell, und Südpazifik – waren alle Erfolge, während Paramount Pictures White Christmas und Funny Face veröffentlichte, zwei Filme, die zuvor geschriebene Musik von Irving Berlin bzw. den Gershwins verwendeten. Warner Bros., produziert Calamity Jane and A Star Is Born; Der ehemalige Film war ein Vehikel für Doris Day, während letzterer ein Comeback auf großer Leinwand für Judy Garland bot, die seit 1950 nicht mehr im Rampenlicht stand. Unterdessen machte Regisseur Otto Preminger, besser bekannt für kontroverse „Message Pictures“, Carmen Jones und Porgy and Bess, beide mit Dorothy Dandridge, der als erster afroamerikanischer A-List-Filmstar gilt. Der berühmte Regisseur Howard Hawks wagte sich auch mit Gentlemen Prefer Blondes in das Genre.

In den 1960er, 1970er Jahren und bis heute fort, wurde der Musikfilm weniger von einem bankable Genre, das auf für Sure-Fire-Hits verlassen werden konnte. Das Publikum für sie wurde weniger und es wurden weniger Musikfilme produziert, da das Genre weniger Mainstream und spezialisierter wurde.,

Das Musical der 1960er Jahre

In den 1960er Jahren der kritische und Kassenerfolg der Filme West Side Story, Gypsy, The Music Man, Bye Bye Birdie, My Fair Lady, Mary Poppins, The Sound of Music, Auf dem Weg zum Forum, The Jungle Book, The Modern Millie, Oliver ist eine lustige Sache passiert!, und Funny Girl schlug vor, dass das traditionelle Musical bei guter Gesundheit sei, während die Jazzmusicals des französischen Filmemachers Jacques Demy Die Schirme von Cherbourg und die jungen Mädchen von Rochefort bei internationalen Kritikern beliebt waren., Der populäre Musikgeschmack wurde jedoch stark von Rock and Roll und der damit verbundenen Freiheit und Jugend beeinflusst, und in der Tat drehte Elvis Presley einige Filme, die formell mit den alten Musicals gleichgesetzt wurden, obwohl es ein harter Tag war Nacht und Hilfe!, mit den Beatles, waren technisch kühner. Die meisten Musikfilme der 1950er und 1960er Jahre wie Oklahoma! und der Klang der Musik waren unkomplizierte Adaptionen oder Neuinszenierungen erfolgreicher Bühnenproduktionen., Die erfolgreichsten Musicals der 1960er Jahre, die speziell für den Film geschaffen wurden, waren Mary Poppins und The Jungle Book, zwei der größten Hits von Disney aller Zeiten.

Die phänomenale Kassenleistung von The Sound of Music gab den großen Hollywood-Studios mehr Selbstvertrauen, langwierige Musicals mit großem Budget zu produzieren. Trotz des durchschlagenden Erfolgs einiger dieser Filme produzierte Hollywood in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren auch eine große Anzahl musikalischer Flops, die den öffentlichen Geschmack ernsthaft falsch zu beurteilen schienen., Zu den kommerziell und / oder kritisch erfolglosen Filmen gehörten Camelot, Finians Rainbow, Hello Dolly!, Süße Charity, Doktor Dolittle, Ein halbes Sixpence, Der glücklichste Millionär, Star!, Liebling Lili, Auf Wiedersehen, Mr. Chips, Malen Sie Ihren Wagen, Lied von Norwegen, An einem klaren Tag können Sie für immer sehen, Mann von La Mancha, Lost Horizon und Mame. Kollektiv und individuell verkrüppelten diese Ausfälle mehrere der großen Studios.,

1970sEdit

In den 1970er Jahren legten die Filmkultur und die sich verändernde Demografie der Filmbesucher mehr Wert auf körnigen Realismus, während die reine Unterhaltung und Theatralik der klassischen Hollywood-Musicals als altmodisch angesehen wurde. Trotzdem waren Fiddler on the Roof und Cabaret traditionellere Musicals, die eng an Bühnenshows angepasst waren, und waren starke Erfolge bei Kritikern und Publikum. Veränderte kulturelle Sitten und der Verzicht auf den Hays-Code im Jahr 1968 trugen ebenfalls dazu bei, den Geschmack des Filmpublikums zu verändern., Der 1973-Film von Andrew Lloyd Webber und Tim Rices Jesus Christ Superstar wurde von religiösen Gruppen kritisiert, wurde aber gut aufgenommen. Mitte der 1970er Jahre mieden Filmemacher das Genre zugunsten der Verwendung von Musik populärer Rock-oder Popbands als Hintergrundmusik, teilweise in der Hoffnung, ein Soundtrack-Album an Fans zu verkaufen. Die Rocky Horror Picture Show wurde ursprünglich 1975 veröffentlicht und war ein kritischer Misserfolg, bis sie in den 1980er Jahren mit Mitternachtsvorführungen begann, wo sie Kultstatus erlangte. 1976 erschien das Low-Budget-Comic-Musical, das erste Nudie-Musical, das von Paramount veröffentlicht wurde., Die 1978 Filmversion von Grease war ein Hit; Seine Songs waren Originalkompositionen in einem Pop-Stil der 1950er Jahre. Die Fortsetzung Grease 2 (veröffentlicht 1982) bombardierte jedoch an der Abendkasse. Es wurden Filme über Darsteller produziert, die grobkörniges Drama und als diegetischer Teil der Handlung verwobene Musiknummern enthielten, wie Lady Sings the Blues, All That Jazz und New York, New York. Einige Musicals made in Britain experimentierten mit der Form, wie Richard Attenboroughs Oh! Was für ein schöner Krieg (1969 veröffentlicht), Alan Parkers Bugsy Malone und Ken Russells Tommy und Lisztomania.,

Eine Reihe von Filmmusicals wurden noch gemacht, die finanziell und / oder kritisch weniger erfolgreich waren als in der Blütezeit des Musicals. Sie beinhalten 1776, The Wiz, Bei Long Last Love, Mame, Mann von La Mancha, Lost Horizon, Godspell, Phantom of the Paradise, Funny Lady (Barbra Streisand Folge zu Lustig Mädchen), A Little Night Music und Haare unter anderem. Vor allem der kritische Zorn gegen endlich Liebe war so stark, dass er nie auf Heimvideo veröffentlicht wurde., Fantasy-Musikfilme Scrooge, Der blaue Vogel, Der kleine Prinz, Willy Wonka & die Schokoladenfabrik, Pete ‚ s Dragon und Disneys Bedknobs and Broomsticks wurden ebenfalls in den 1970er Jahren veröffentlicht, wobei letztere den Oscar für die besten visuellen Effekte gewannen.

1980er bis 1990sEdit

In den 1980er Jahren wurden Finanziers zunehmend zuversichtlich in das Musikgenre, teilweise durch die relative Gesundheit des Musicals am Broadway und Londons West End gestärkt., Produktionen der 1980er-und 1990er-Jahre inklusive Der von Apple, das Xanadu, Die Blues Brothers, Annie, Monty Python ‚ s Der Sinn des Lebens, Das schönste Freudenhaus in Texas, Victor/Victoria, Footloose, Fast Forward, A Chorus Line, Little Shop of Horrors, Verbotene Zone, Absolute Anfänger, Labyrinth, Evita, und Jeder Sagt, ich Liebe Dich. Can ‚ t Stop the Music mit den Dorfbewohnern war jedoch ein katastrophaler Versuch, das Musical im alten Stil wiederzubeleben, und wurde 1980 für die Gleichgültigkeit des Publikums veröffentlicht., Little Shop of Horrors basiert auf einer Off-Broadway-Musical-Adaption eines Roger Corman-Films aus dem Jahr 1960, einem Vorläufer späterer Film-to-Stage-to-Film-Adaptionen, einschließlich der Produzenten.

Viele Animationsfilme dieser Zeit-überwiegend von Disney-enthielten traditionelle Musiknummern. Howard Ashman, Alan Menken und Stephen Schwartz hatten in dieser Zeit bereits Erfahrung im Musiktheater und schrieben Songs für Animationsfilme, die die Arbeitstiere von Disney, die Sherman Brothers, verdrängten. Beginnend mit 1989 ‚ s The Little Mermaid, Die Disney Renaissance gab dem Musikfilm neues Leben., Weitere erfolgreiche animierte Musicals waren Aladdin, The Glöckner von Notre Dame und Pocahontas von Disney proper, The Nightmare Before Christmas von Disney division Touchstone Pictures, The Prince of Egypt von DreamWorks, Anastasia von Fox und Don Bluth sowie South Park: Bigger, Longer & Uncut von Paramount. (Beauty and the Beast und der König der Löwen wurden nach ihrem Blockbuster-Erfolg für die Bühne adaptiert.,)

2000-heute : Die zweite-die klassische ära oder Neues Musikalisches EraEdit

21. Jahrhundert musicals oder Neue AgeEdit

In the 21st century, Film, musicals wiedergeboren wurden mit dunkler musicals, musical biopics, epic drama, musicals und comedy-drama-musicals wie Moulin Rouge!, Chicago, Walk the Line, Dreamgirls, Sweeney Todd: Der Dämon Barbier von Fleet Street, Les Misérables und La La Land; alle gewannen den Golden Globe Award für den besten Film-Musical oder Komödie in ihren jeweiligen Jahren, während Filme wie Das Phantom der Oper, Hairspray, Mamma Mia!,, Neun, In den Wald, Der größte Showman, Mary Poppins kehrt zurück, und Rocketman wurden nur nominiert. Chicago war auch das erste Musical seit Oliver! um das beste Bild bei den Academy Awards zu gewinnen.

Joshua Oppenheimers Oscar-nominierter Dokumentarfilm The Act of Killing kann als Sachbuch-Musical angesehen werden.

Ein spezifischer musikalischer Trend war die steigende Anzahl von Jukebox-Musicals, die auf Musik verschiedener Pop/Rock-Künstler auf der großen Leinwand basierten, von denen einige auf Broadway-Shows basierten. Beispiele für Broadway-basierte Jukebox Musikfilme enthalten Mamma Mia!, (ABBA), Rock of Ages, und Sonnenschein auf Leith (Der Verkünder). Original enthalten Über das Universum (Die Beatles), Moulin Rouge! (verschiedene pop-hits), Idlewild (Outkast) und Yesterday (The Beatles).

Disney auch wieder zu den musicals mit der Verzauberten Prinzessin und der Frosch, Wirren, Winnie the Pooh, Die Muppets, Gefroren, Muppets Most Wanted, In the Woods, Moana, Mary Poppins Returns und Frozen II., Nach einer Reihe von Erfolgen mit Live-Action-Fantasy-Adaptionen einiger ihrer animierten Features produzierte Disney eine Live-Action-Version von Beauty and the Beast, dem ersten Live-Action-Fantasy-Adaptionspaket, das ein All-Out-Musical war, und bietet neue Songs sowie neue Texte sowohl zur Gaston-Nummer als auch zur Wiederholung des Titelsongs. Der zweite Film dieses Live-Action-Fantasy-Adaptionspakets, das ein All-Out-Musical sein sollte, war Aladdin und enthält neue Songs., Der dritte Film dieser Live-Action-Fantasy-Adaption Pack ein All-out-Musical zu sein, war Der König der Löwen und verfügt über neue Songs. Pixar produzierte auch Coco, den allerersten computeranimierten Musikfilm der Firma.

Regisseur Damien Chazelle schuf einen Musikfilm namens La La Land mit Ryan Gosling und Emma Stone., Es sollte den traditionellen Jazzstil von Songnummern mit Einflüssen aus dem Goldenen Zeitalter Hollywoods und Jacques Demys französischen Musicals wieder einführen und gleichzeitig eine zeitgenössische/moderne Interpretation der Geschichte und der Charaktere mit Gleichgewichten in Fantasy-Nummern und geerdeter Realität beinhalten. Es erhielt 14 Nominierungen bei den 89th Academy Awards, den Rekord für die meisten Nominierungen mit All About Eve (1950) und Titanic (1997), und gewann die Auszeichnungen für die beste Regie, beste Schauspielerin, beste Kinematographie, Beste Originalpartitur, Bester Originalsong und bestes Produktionsdesign.